油画作品一览
以下为本社长年承接的油画作品，按分类呈现。点击作品即可查看详细信息。
名画50选50件
人物名画
No.1蒙娜·丽莎
| 作品编号 | 1 |
|---|---|
| 作品名 | 蒙娜·丽莎 |
| 原画信息 | 尺寸：970×530mm 创作：1503～1506年 收藏：卢浮宫博物馆 |
| 作品介绍 | 在卢浮宫众多名画之中，本作堪称不朽的杰作。1974年本作在日本展出时，东京国立博物馆周围排起了望不到尽头的长队。画中模特是佛罗伦萨人焦孔达之妻蒙娜·丽莎。达·芬奇耗时四年创作，最终仍未能完成，但在他极少有完成品的画作中，本作可说是刻画最为精微的一幅。据说作画期间，他请人在一旁演奏乐器、唱歌、说笑，以唤起她的情绪。他后来把这幅作品带到了自己终老之地法国。 |
No.2最后的晚餐
| 作品编号 | 2 |
|---|---|
| 作品名 | 最后的晚餐 |
| 原画信息 | 壁画（mm） 创作：1495～1497年 收藏：圣玛利亚·德莱·格拉齐耶修道院 |
| 作品介绍 | 《最后的晚餐》（意大利语：L'Ultima Cena）是达·芬奇应其赞助人卢多维科·斯福尔扎公爵之请而绘制的作品。它描绘的是基督教圣经中耶稣基督在世最后一日举行最后晚餐的情景。据《约翰福音》第13章21节，画中表现的正是基督预言“十二门徒中有一人将出卖我”的那一刻。此画绘于米兰圣玛利亚·德莱·格拉齐耶修道院的食堂，为420×910厘米的巨作。达·芬奇1495年动笔，1498年完成。在被认为大多未完成的达·芬奇画作中，本作是为数不多的完成之作，同时也以受损最为严重而闻名。以运笔迟缓著称的达·芬奇竟在三年内完成此画，对他而言已属相当快的进度。“绘有达·芬奇《最后的晚餐》的圣玛利亚·德莱·格拉齐耶教堂与多明我会修道院”已被列入世界遗产。 |
No.3抱白鼬的贵妇
| 作品编号 | 3 |
|---|---|
| 作品名 | 抱白鼬的贵妇 |
| 原画信息 | 1483～1490年 原画尺寸（53.4×39.3cm） 收藏：波兰 恰尔托雷斯基美术馆 |
| 作品介绍 | 画中女子据说是米兰公爵卢多维科·斯福尔扎的宠妾切奇利娅·加莱拉尼。另外，准确地说，画中的并非白鼬（石貂），而是一只白色毛皮的雪貂。达·芬奇初见切奇利娅·加莱拉尼是在1484年。当时两人都寄居于米兰卢多维科·斯福尔扎的城堡斯福尔扎堡，年方17岁、年轻貌美的切奇利娅是卢多维科的宠妾，日常以演奏乐器、作诗度日。 |
No.4创造亚当
| 作品编号 | 4 |
|---|---|
| 作品名 | 创造亚当 |
| 原画信息 | 壁画（mm） 创作：1508～1510年 收藏：西斯廷礼拜堂 |
| 作品介绍 | 本作是西斯廷礼拜堂天顶画中最著名的部位之一《创造亚当》。主题取自《旧约·创世记》，《创造亚当》即其中一幕。此画曾被用于电影《宾虚》的序章，广为人知；画面中相对的指尖，后来被戏仿用于电影《E.T.》的海报。 |
No.5西斯廷圣母
| 作品编号 | 5 |
|---|---|
| 作品名 | 西斯廷圣母 |
| 原画信息 | 265 cm × 196 cm 1513年—1514年前后 收藏：历代大师画廊（德累斯顿） |
| 作品介绍 | 《西斯廷圣母》（意大利语：Madonna Sistina，德语：Sixtinische Madonna），亦称《圣西斯笃圣母》，是盛期文艺复兴巨匠拉斐尔·桑蒂于晚年1513至1514年前后所绘。它作为祭坛画的一翼而作，是拉斐尔笔下最后一位圣母玛利亚，也是他独自完成的最后一幅画作。1754年本作被带到德国德累斯顿，此后持续对德国美术界产生巨大影响。二战后曾被运往莫斯科，十年后归还德国，现为历代大师画廊最重要的藏品之一。《西斯廷圣母》中玛利亚足下所绘的两位带翼小天使，与这幅画本身的评价无关，已成为极负盛名的形象。关于天使那令人过目难忘的姿态，1912年的《Fra Magazine》介绍了一种说法：“拉斐尔绘制《西斯廷圣母》时，充当玛利亚模特的女子的孩子们前来观看。拉斐尔被孩子们观看的样子吸引，便忠实地将孩子们的姿态再现于画中。” |
No.6春
| 作品编号 | 6 |
|---|---|
| 作品名 | 春 |
| 原画信息 | 203 cm × 314 cm 1482年前后 乌菲齐美术馆（佛罗伦萨） |
| 作品介绍 | 本作与《维纳斯的诞生》同为置于美第奇家族卡斯特罗别墅的大作。画面以携丘比特的维纳斯为中心，左侧是以神杖驱散雾气的墨丘利与三美神，右侧则是春之女神普里玛维拉与试图逃离阴险风神的花之女神弗洛拉。画家虽是代表意大利的画家，却长年被遗忘，直到本世纪才被重新评价，本作正是其代表作。近年画作经过清洗，花卉鲜艳复现，展现出令人赞叹的色彩。 |
No.7维纳斯的诞生
| 作品编号 | 7 |
|---|---|
| 作品名 | 维纳斯的诞生 |
| 原画信息 | 尺寸：1720×2780mm 创作：1485年 收藏：乌菲齐美术馆 |
| 作品介绍 | 出生于佛罗伦萨、代表文艺复兴的画家，曾获名门美第奇家族资助，绘制了但丁《神曲》插图版画及西斯廷礼拜堂的壁画。本作描绘的是从地中海海沫中诞生的维纳斯在众仙女守护下，被张开红色衣袍等候的岸边迎接的一幕。一说此画描绘的是对令佛罗伦萨人惋惜不已、年纪轻轻便辞世的“美丽的西莫内塔”的追忆。它诞生于画家所憧憬的古希腊异教官能性与基督教之间的夹缝之中。 |
No.9宫娥
| 作品编号 | 9 |
|---|---|
| 作品名 | 宫娥 |
| 原画信息 | 尺寸：3180×2760mm 创作：1656年 收藏：普拉多美术馆 |
| 作品介绍 | 画家生于西班牙塞维利亚，是葡萄牙系贵族之子，24岁成为国王的宫廷画家，一生在宫廷度过。通过与鲁本斯的交谊及意大利之行，其画面趋于明亮、样式亦发生变化，奠定了西班牙肖像画的传统。然而委拉斯开兹在世界上得到公正评价，已是19世纪后半叶，马奈盛赞其为“画家中的画家”。画面中央是4岁的玛格丽塔公主，左端立着大画布、正在描绘国王与王后的，正是画家本人。 |
No.10夜巡
| 作品编号 | 10 |
|---|---|
| 作品名 | 夜巡 |
| 原画信息 | 363 cm × 437 cm 1642年 阿姆斯特丹国立美术馆 |
| 作品介绍 | 《夜巡》（荷兰语：De Nachtwacht）是荷兰17世纪画家伦勃朗·范·莱因画作的通称。自18世纪以来人们便以此通称称呼它，但更贴切的题名应为《弗兰斯·班宁·科克队长与威廉·范·劳滕布尔赫副队长的市民卫队》（De compagnie van kapitein Frans Banning Cocq en luitenant Willem van Ruytenburgh）。本作现展于阿姆斯特丹国立美术馆，被视为伦勃朗以及荷兰黄金时代绘画的代表作。 |
No.11圣伯纳德山口的拿破仑
| 作品编号 | 11 |
|---|---|
| 作品名 | 圣伯纳德山口的拿破仑 |
| 原画信息 | 271 × 232 cm 1800年 美术史美术馆藏 |
| 作品介绍 | 本作描绘的是以夺取意大利为目标的法军于1800年翻越阿尔卑斯山、进军意大利北部时拿破仑·波拿巴的身姿。大卫一生创作了大量拿破仑肖像，本作是其中最为著名、广为人知的一幅。画面前方中央骑着爱马马伦戈的拿破仑，在恶劣天气的强风中衣袍翻飞，右手高举，一面激励士兵，一面勇猛果敢地指挥着当时极为违背常理的翻越阿尔卑斯作战。这一姿态正是法国英雄的形象本身，至今仍是我们心中拿破仑形象的首选。然而据后人所知，实际翻越圣伯纳德山口时天气晴好，他身着防寒衣物、骑着耐走山路的骡子翻越（见保罗·德拉罗什后来所绘《翻越阿尔卑斯的波拿巴》），可见本作浓重反映了将拿破仑塑造为“英雄”的宣传（政治意图或宣传目的）一面。此外还有一则逸闻：绘制本作时，大卫要求拿破仑摆姿势，却被他以“肖像并不在于像不像，而在于传达此人的伟大”为由拒绝，只好让儿子（或弟子）代摆姿势。大卫虽以新古典主义表现的第一人著称，但本作中充满跃动感的骏马描绘与戏剧性的场面表现，却带着与新古典主义处于对立面的浪漫主义印象，就此而言，本作在法国绘画史上的意义尤值特书。 |
No.12马拉之死
| 作品编号 | 12 |
|---|---|
| 作品名 | 马拉之死 |
| 原画信息 | 157 × 136 cm 1793年 比利时皇家美术馆 |
| 作品介绍 | 被夏洛特·科黛暗杀的革命领袖马拉。马拉曾是一名医生，而且是国王之弟阿图瓦伯爵亲卫队的医生，却因自由主义思想而被解职。法国大革命爆发后，他转而成为记者。革命政府的核心雅各宾党在罗伯斯庇尔带领下走向恐怖政治，将反对者一个接一个送上断头台。革命政府分裂为站在资产阶级一边的吉伦特派与站在下层民众一边的罗伯斯庇尔的雅各宾党。罗伯斯庇尔最终陷入了恐怖政治。暗杀马拉的夏洛特当时25岁，是吉伦特派的同情者。她以告知吉伦特派人士名单为名接近马拉，用刀刺向了正在沐浴的马拉。马拉患有皮肤病，习惯泡着硫磺水浴工作。马拉手中所持的，是夏洛特请求会面的那封信。马拉实际上容貌并不那么端正，体格也不像大卫画中那样魁梧。为了提升其作为革命殉道者的英雄性，画家不动声色地做了巧思。与米开朗基罗的《圣殇》一样，本作也是半身赤裸、垂下一臂的姿态。大卫所绘《马拉》之所以具有永恒性，正是因为它出色地表现了与米开朗基罗《圣殇》相重叠的、庄严的永恒性。 |
No.13读书的少女
| 作品编号 | 13 |
|---|---|
| 作品名 | 读书的少女 |
| 原画信息 | 82×65cm 1770-1772年 华盛顿国家美术馆 |
| 作品介绍 | 本作描绘的是一位在室内（推测如此）静静读书的年轻女子，从正侧面捕捉而成。模特一般不明，但部分研究者提出其说，认为是弗拉戈纳尔之妻的妹妹、同时身为画家弟子（兼情人）的玛格丽特·热拉尔。以读书或读信的少女为画题的作品，在17世纪荷兰绘画黄金期代表画家维米尔的名作《窗前读信的女子》《穿蓝衣的女子》等中已属当时较为流行的题材，但本作常被喻为印象派式的技法表现，以及其对画题的新颖处理，值得注目之处甚多。画面中央的年轻女子在静谧氛围中，以左手持书，目光落在书上，专注于阅读（书中的内容）。以丰盈量感描绘的女子身姿毫无多余的用力之感，虽有几分松弛，整体却强烈透出品格的清高。尤其是这位少女微微残留稚气的端丽侧脸，以及仿佛含着忧思般复杂情感的双眸神情，实为值得特书的佳作。再从技法要素考察，以迅疾流畅般轻快、略大的笔触描绘出年轻女子水润的肌肤与发丝，以及她所着黄色衣衫与幽深暗青绿色背景之间的色彩、明暗对比，都可让人充分感受到画家卓越的功力。 |
No.14泉
| 作品编号 | 14 |
|---|---|
| 作品名 | 泉 |
| 原画信息 | 164 × 82 cm 1856年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 本作不仅是画家的代表作，也作为新古典主义裸女杰作而闻名。安格尔获罗马奖后，在意大利佛罗伦萨滞留近20年，本作大约自1820年前后开始动笔，是将《泉》拟人化的裸女作品（《泉》拟人化的依据，可举14世纪雕塑家让·古戎的《无辜者喷泉浮雕》等）。画面中央的泉之拟人像正面朝向观者，头向右侧微倾，在垂下的左肩上托着水流涌出的水瓶，全身呈S形以取得平衡。这种把身体重心放在一侧（本作为左足）、另一侧（本作为右足）作为游脚，使全身呈S形流曲的姿态“对立式平衡”（contrapposto），以古希腊雕塑家为鼻祖，文艺复兴巨匠米开朗基罗也在杰作《大卫像》中运用，作为古典而传统的姿态构图在艺术家之间已属通行，本作亦作为运用此法的典型新古典主义作品而广为人知。从令人联想到毫无皱褶的大理石般光滑的肌肤、匀称而富理想化感的和谐女性肉体、毫无赘余、明快而理性的构图与正面性、动作极少而稳定的画面构成等来看，本作作为艺术上的一种完成形态，给后世画家带来了巨大影响。另外，本作虽自1820年前后开始动笔，但在安格尔刚进入晚年的1856年，由画家的弟子们完成。 |
No.15自由引导人民
| 作品编号 | 15 |
|---|---|
| 作品名 | 自由引导人民 |
| 原画信息 | 259 cm × 325 cm 1830年 卢浮宫博物馆 |
| 作品介绍 | 《自由引导人民》（法语：La Liberté guidant le peuple）是欧仁·德拉克罗瓦所绘的画作。它取材于1830年爆发的法国七月革命，于1831年5月的沙龙展出品。此画离开法国国境，仅在借展英国、美国、日本时发生过。画面中央那位果敢地引导民众的女性，是法国象征玛丽安娜的代表性一例。如原题La Liberté guidant le peuple所示，女性象征自由，乳房象征母性即祖国，德拉克罗瓦用种种理念的隐喻（寓意）来表现这幅画。另一方面，她所戴的弗里吉亚帽在法国大革命期间成为自由的象征。站在女性身旁、手持滑膛枪、戴高礼帽的男子，多被解释为德拉克罗瓦本人。法国政府1831年以纪念革命为名以3000法郎购下此作，但因过于政治化、具有煽动性，直到1848年革命前都未曾常设展出。1874年入藏卢浮宫。从绘画风格与法国七月革命这一主题来看，本作可谓绘画中浪漫主义的代表作。 |
No.16拾穗者
| 作品编号 | 16 |
|---|---|
| 作品名 | 拾穗者 |
| 原画信息 | 111×83.5cm 1857年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 作为农民画家米勒首屈一指的名作，《拾穗者》为人熟知。这幅描绘农民捡拾田里遗落稻穗这一坚韧生活的作品，1857年在沙龙展出，引起保守批评家“夸大了贫困”“带有社会主义色彩”等议论。若非细致观察农妇一连串动作便无法描绘出的神态，在劳作之手的刻画等处表现得十分充分。 |
No.17晚钟
| 作品编号 | 17 |
|---|---|
| 作品名 | 晚钟 |
| 原画信息 | 55.5×66cm 1855-1857年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 米勒的《晚钟》与达·芬奇的《蒙娜·丽莎》并列，或许可说是日本人最为亲近的一幅画。大概是因为结束了一天田间劳作的农夫与妻子，站在暮色苍茫的原野上向神祈祷的虔诚身影，令许多人深受感动。据说米勒是回想着童年往事来绘制这幅画的。傍晚村里教堂钟声响起时，祖母便会停下手中的活计，让少年米勒脱帽，念诵“为那些值得怜悯的亡者……”这句祷词。此后，黄昏时分便成了米勒最喜欢的时刻，因为那无疑是只赐予劳作之人的“休憩与静谧”降临之时。作家罗曼·罗兰写道：“这幅画具有音乐般的魅力。米勒是想在这幅画中让人听见乡间黄昏的声音——远方钟声的回响。它表现了人类与大地之争终结、归于平和之时，寂寞薄暮中的旷野，以及朴素而孤独的祈祷者的庄严。”绘制这幅画的1850年代后半叶，米勒40岁前后的生活似乎极为窘迫。他带着妻子和7个孩子，甚至为当日的口粮发愁，境况凄惨。然而无论多么艰难，他始终不改专心绘制自己真心想画的农民画的态度。这是因为，他年轻时在巴黎所画的作品多为裸体画，因而被人评为“除了裸体以外没有绘画才能的画家”，他对此感到厌烦，遂移居巴比松村，在心中立誓：“纵使贫穷困苦，描绘热爱自然、虔诚生活的农民身影，才是自己的使命。”不仅有贫穷，有时他还完全失去自信，甚至想过自杀。但在内心坚强的妻子与体贴的朋友的鼓励下，他仍到田野、田地中作画不止，后来陆续发表了现由山梨县立美术馆收藏的《播种者》以及《黄昏牵羊归来的牧羊人》等作品。深深凝视农民心灵的这些名画，在米勒去世后愈发为世人所喜爱，在装饰于法国首都巴黎奥赛博物馆的《晚钟》以及同期所绘《拾穗者》前，赞叹这些名画的人从未断绝。 |
No.22煎饼磨坊的舞会
| 作品编号 | 22 |
|---|---|
| 作品名 | 煎饼磨坊的舞会 |
| 原画信息 | 131×175cm 1876年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 《煎饼磨坊的舞会》（Bal du moulin de la Galette）是雷诺阿35岁时所绘的作品，也曾于1877年第三届印象派展出品。题名中的煎饼磨坊，是巴黎蒙马特一家舞厅的名字。画中人物多以他的朋友们为模特。当时雷诺阿住在这家舞厅附近，常从画室往返作画。但这幅纵131厘米、横175厘米的作品搬运困难，且有损伤之虞，于是他把一半尺寸的画布带到舞厅，在现场画完较小的一幅后带回，再以它为参照在画室绘制较大的那幅。如前所述，画中人物都是雷诺阿的朋友，能确定姓名者，如左前方正在跳舞、戴黑帽的男子是古巴画家卡德纳斯，与卡德纳斯共舞的女子则是当时雷诺阿的…… |
No.23伊蕾娜·卡昂·当韦尔小姐
| 作品编号 | 23 |
|---|---|
| 作品名 | 伊蕾娜·卡昂·当韦尔小姐 |
| 原画信息 | 65×54cm 1880年 比雷尔收藏 |
| 作品介绍 | 本作是应路易·卡昂·当韦尔之请，为其三个女儿中最年幼的伊蕾娜·卡昂·当韦尔所绘的肖像，作于1880年至翌年。当韦尔是当时少有的理解并庇护雷诺阿的富裕银行家。雷诺阿以自己女儿及（画家的）理解者的委托等为始，绘制了大量以孩童为题材的肖像画，其中本作尤为出色，广为人知。 |
No.24舞台上的舞女
| 作品编号 | 24 |
|---|---|
| 作品名 | 舞台上的舞女 |
| 原画信息 | 60×44cm 1878年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 德加喜欢芭蕾与歌剧，常去歌剧院等处。1873年歌剧院被焚，芭蕾舞团迁到德加画室附近后，他便常去写生。本作是他描绘舞女的作品之一。 |
No.25吹笛少年
| 作品编号 | 25 |
|---|---|
| 作品名 | 吹笛少年 |
| 原画信息 | 161×97cm 1866年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 此画于1866年沙龙展出品，结果落选。当时左拉在杂志论文中热烈为之辩护，此事广为人知。“父辈曾嘲笑库尔贝，如今我们却在他作品前出于恍惚；如今人们嘲笑着马奈，儿子辈却会在他的画前陶醉。马奈先生是明日巨匠之一。”本作中可见西班牙绘画与日本浮世绘版画的影响。前者体现于从微薄的灰色阴影构成空间的立体感，后者体现于单纯而富于表现力的二维形态。 |
No.26女神游乐厅的吧台
| 作品编号 | 26 |
|---|---|
| 作品名 | 女神游乐厅的吧台 |
| 原画信息 | 96×130cm 1881-1882年 考陶尔德美术馆 |
| 作品介绍 | 爱德华·马奈最晚年的杰作《女神游乐厅的吧台》。这是画家去世前一年完成的、也是他最后一次沙龙出品之作。这幅罕有的杰作所描绘的，是当时对时尚敏感的人们竞相聚集的巴黎最华美社交场之一——女神游乐厅的吧台，以及以一位名叫苏珊的女子为模特的侍女身姿。画家当时（大概因梅毒）左腿濒临坏疽，虽忍着剧痛仍前往女神游乐厅绘制习作，但疼痛加剧、恶化到无法行走的程度，便在画室中搭起该游乐厅吧台的布景，让模特站到那里完成了本作。侍女苏珊背后的情景，是映在镜中的女神游乐厅中展开的种种场面；画面右部与绅士（模特或是画家的加斯东·拉图什，或是亨利·杜普雷）交谈的女子，正是侍女本人映在镜中的背影。画面中央从正面捕捉并描绘侍女，而右部镜中映出的背影却与绅士一同以带角度的方式描绘，由此本作产生了现实中不可能存在的构图与空间矛盾。发表当时虽遭到尖锐酷评，但既具平面性又能感受到空间的绘画性空间构成，以及侍女那既可读作魅惑又可读作虚无的独特神情，将观者引入女神游乐厅的世界。本作准确捕捉了巴黎这座城市中人们沉醉的社会娱乐，仿佛直接剪取一般，在技法上也有大胆留下笔迹的振荡笔法、色彩等诸多值得特书之处，其中尤以画面前方所绘的各种餐前酒酒瓶，以及盛着橙子与花的玻璃杯等静物，展现出卓越的功力。 |
No.27奥菲莉娅
| 作品编号 | 27 |
|---|---|
| 作品名 | 奥菲莉娅 |
| 原画信息 | 76.2×111.8cm 1851-52年 泰特美术馆 |
| 作品介绍 | 本作被誉为米莱本人及维多利亚时代的最高杰作，1862年在皇家学院展出品，以莎士比亚《哈姆雷特》的女主人公为题材。仰面漂浮于河中的少女，其模特是后来成为罗塞蒂之妻的伊丽莎白·西达尔。夏目漱石的小说《草枕》中有提及此画的段落。此外，日本画家山本丘人受此画影响，绘制了《水上的奥菲莉娅》（原题《美丽的尸身》）。 |
No.28盲女
| 作品编号 | 28 |
|---|---|
| 作品名 | 盲女 |
| 原画信息 | 82.6×62.2cm 1854-56年 伯明翰市立美术馆 |
| 作品介绍 | 本作以住在米莱家附近的盲女为模特。画面描绘雨后草地的片刻，彩虹出现、天空放晴，传达出令人舒畅的自然氛围。 |
No.29戴珍珠耳环的少女（戴蓝头巾的少女）
| 作品编号 | 29 |
|---|---|
| 作品名 | 戴珍珠耳环的少女（戴蓝头巾的少女） |
| 原画信息 | 46.5×40cm 1665-66年前后 莫瑞泰斯皇家美术馆 |
| 作品介绍 | 亦称“北方的蒙娜·丽莎”的人气之作。维米尔绘制的单身女子像虽多，但让画面人物仅胸部以上浮现在暗色背景中的作品，却只有本作与《少女》。无论是直直投向此方的目光，还是微微张开的稚嫩双唇，都仿佛以快照捕捉下少女回头的瞬间一般生动。耳环上珍珠的光辉、面部带有失焦感的画法，也增强了照片般的效果。从头顶垂下的布巾与上衣的黄色、淡红的脸颊、红色的唇，暖色系居多，而头巾的蓝色则收紧了整个画面。头巾是当时荷兰见不到的异国趣味风俗。关于维米尔的生平与作品，人们所知甚少。这幅画上有“IVMeer”的签名，却没有日期。它是受人订制而画，还是何人订制，亦不明了。总之，这大概并非传统意义上的肖像画。维米尔想必是要捕捉少女察觉到某人而回头的瞬间。这位少女是谁并不清楚，虽有维米尔恋爱说等，但如今较有说服力的说法是，她是维米尔女儿之一玛丽亚。维克托·德·斯图尔斯一直设法阻止维米尔的稀世之作流向海外，A.A. 德斯·通贝听从他的意见，1881年在海牙的拍卖会上仅以2盾30分（约3000日元）买下此画。当时这幅画的状况极差。德斯·通贝没有继承人，便与其它画作一起捐赠给莫瑞泰斯皇家美术馆。据说如今若进行交易，价值可达100亿乃至150亿日元。1937年，收藏家安德鲁·梅隆把一幅与这幅极像、被认为是维米尔之作的画捐赠给华盛顿特区的国家美术馆。那幅画如今被认为是赝品。维米尔专家阿瑟·惠洛克在1995年的论文中主张它出自特奥·范·韦恩加登之手。特奥·范·韦恩加登是20世纪恶名昭著的造假者，也是更为臭名昭著的汉·范·梅格伦的朋友。 |
No.30倒牛奶的女仆
| 作品编号 | 30 |
|---|---|
| 作品名 | 倒牛奶的女仆 |
| 原画信息 | 45.5×41cm 1658年 阿姆斯特丹国立美术馆 |
| 作品介绍 | 这幅画一直被称为维米尔的最高杰作、完美无瑕的名作。本作也不例外，描绘的只是女子倒牛奶这一日常的一瞬。整体虽给人柔和氛围，但女子衣着与桌上布料的黄色、蓝色，与白墙之间的对比，却带来明晰的印象，在观者心中留下强烈感受。维米尔的特点“点彩法”（点描法）在画面整体可见，尤以桌上的面包对光的表现为绝妙。此外，墙上描绘的钉痕、阳光的渐变等细节也刻画细密，这也是维米尔的特征之一。20世纪初本作险些落入美国人之手，在国内引发强烈反对，荷兰议会遂由国家出资购下，是一幅著名的作品。 |
No.46无名女郎（不认识的女人）
| 作品编号 | 46 |
|---|---|
| 作品名 | 无名女郎（不认识的女人） |
| 原画信息 | 75.5×99.0cm 1883年 特列季亚科夫美术馆（莫斯科） |
| 作品介绍 | 细节极为出色，帽子的白色镶边衬出天鹅绒的质地，珍珠饰物与鸵鸟羽饰都非常写实。闪光的缎带、褐色的毛皮、金手镯也都逼真地呈现出来。背景中模糊描绘的街景也很好地表现了严冬的俄国。与外界寒冷形成对照，女子内心仿佛翻涌着隐秘而沉静的热情。克拉姆斯柯依15岁时在圣像画家门下学画，抱着轻松的心情投考彼得堡美术学院，竟顺利合格。此后他抵制毕业创作、离开学院，成为巡回展览画派的创立者之一。巡回展览画派，是为对抗学院派作品、让现实主义绘画深入民众而在各地举办展览的艺术家团体。然而1880年以后，巡回展览画派内部出现问题，他又痛失两个孩子、妻子病倒，自身也罹患疾病。他持续绘制多年的大作《嘲笑吧，欢呼吧，犹太人的王》，却在1882年搁笔。这幅《无名女郎》作于1883年。它魅力四溢，令人难以想象是在这样的精神困境中所绘。四年后，克拉姆斯柯依在绘制一位医生的肖像时倒下，握着画笔离开了人世。 |
No.48希望
| 作品编号 | 48 |
|---|---|
| 作品名 | 希望 |
| 原画信息 | 141×110cm 1885～1886年 |
| 作品介绍 | 这幅深深影响了美国总统奥巴马的作品，是一幅极具神秘感的画。状似地球的球体之上，一位蒙着眼睛的女子怀抱只有一根弦的竖琴，专心侧耳聆听那琴音。可说是一幅极具象征性的作品。据说当时有人讲，这幅画与其题作“希望”，不如题作“绝望”更为贴切。绝望之中最后的希望——状似地球的淡褐色球体之上，是蒙着眼睛的女子。她珍重地抱着竖琴，拨动最后一根弦。她的灵魂集中于那一根弦所奏出的微弱音色。整体幽暗淡雅的色调，是近乎放弃的绝望。然而，还有一根弦在，那便是她在绝望之中唯一的、最后的希望。无论是战争、是人生本身，还是恋爱，人一定都经历过这幅画中那样的“希望”。 |
No.50湖畔
| 作品编号 | 50 |
|---|---|
| 作品名 | 湖畔 |
| 原画信息 | 69×84.7cm 1897年 东京国立博物馆 |
| 作品介绍 | 近代日本洋画之父黑田清辉的最高杰作《湖畔》。被指定为国家重要文化财的本作，作于1897（明治30）年。当时画家与后来成为黑田夫人的金田种子（时年23岁，后改名照子）前往箱根芦之湖避暑，本作即以照子为模特，描绘了芦之湖湿润的情景，也是黑田清辉最为世人所知的作品。据照子留下的证言，清辉目睹夫人坐在湖畔岩上的身姿，兴起“好，从明天起就画这个”，连底稿都未画便着手创作。画面前景描绘右手持团扇、身着浴衣的照子夫人坐在岩上的身姿，透着几分异国氛围的夫人，目光似望远方，投向画面右侧。中景则是悠然静谧的芦之湖，描绘得湿润润泽，远景延展着低矮的群山。本作最值得注目之处，在于令人感到日本高地之夏的大气表现。以平滑笔触在画面上铺陈淡彩、近乎薄白色彩的如水彩般的描绘，让人明确感受到日本夏天特有的湿润空气，包裹整个画面的饱和空气水分，与那水润清净的色彩及照子夫人婀娜的氛围绝妙呼应。这正是黑田清辉在本作中所致力的日本独有的洋画表现本身，正因如此，它至今仍深深沁入我们日本人的心。此外，注目本作的画面构成，常被形容为快照式的、捕捉对象自然瞬间的摄影式构图，也展现出卓越的功力，自然而然地将观者引入本作的世界观。另外，本作在创作的1897年举办的第2届白马会展上以《避暑》之名出品，也曾出品于1900年的巴黎万博会。 |
风景名画
No.8雪中猎人
| 作品编号 | 8 |
|---|---|
| 作品名 | 雪中猎人 |
| 原画信息 | 117 cm × 162 cm 1565年 美术史美术馆（维也纳） |
| 作品介绍 | 《雪中猎人》以雪山间的村落与岩山为背景，描绘了背着猎枪的猎人牵着猎犬行走的情景。左下方配置近景的猎人，中央是享受着滑冰的村民，右上方配置远景的山岳，巧妙运用了透视法。从疲惫猎人的背影上，仿佛能听见叹息声。另一方面，眼下铺展的村庄中，人们正在结冰的池塘上滑冰取乐。这一对比，让观者感受到人间的喜怒哀乐、生活的贫富、人生的浮沉。如前所述，画面的中心既不是神，也不是风景，而是人，因此《雪中猎人》被称为文艺复兴式田园风景画的代表作。 |
No.31代尔夫特的眺望
| 作品编号 | 31 |
|---|---|
| 作品名 | 代尔夫特的眺望 |
| 原画信息 | 98.5×117.5cm 1659-1660年 莫瑞泰斯皇家美术馆 |
| 作品介绍 | 本作描绘的是位于鹿特丹与海牙之间、荷兰南荷兰省的都市——画家出生并度过一生的“代尔夫特”清晨七时前后（画中钟塔正指着同一时刻）的街景。前景置影、后景受光的光彩描绘，以及追求理想之美而改变现实城市面貌的描绘，在同时代风景画中尤为值得特书。画面中央石桥左右配置的斯希丹门（钟塔）与鹿特丹门，从这个视角本应平行可见，但为在构图上追求更多和谐，维米尔将右侧的鹿特丹门重新构成为朝外的方向。此外，17世纪当时作为代尔夫特象征、安葬着当地英雄奥兰治亲王威廉的新教堂，在朝阳照射下于画面中最为辉煌。本作自绘成的16世纪当时起评价便高，1696年举行的画家作品拍卖上以最高价200盾成交，1822年莫瑞泰斯皇家美术馆购入时定价2900盾，均有资料留存。此外，20世纪法国文学代表作家马塞尔·普鲁斯特在莫瑞泰斯皇家美术馆观赏本作后，后来谈及：“看了那幅画，我意识到自己看到的是世界上最美的画作”，并将它作为重要母题写入自己的杰作《追忆似水年华》。 |
No.32代尔夫特的小巷
| 作品编号 | 32 |
|---|---|
| 作品名 | 代尔夫特的小巷 |
| 原画信息 | 53.5×43.5cm 1558-1559年前后 阿姆斯特丹国立美术馆 |
| 作品介绍 | 本作据称描绘的是代尔夫特街头的风景，却无法确定具体所绘地点。它并非从某一方向观看某处街景、加以剪裁而成，据说而是组合了各处景物绘成。维米尔绘制风景画极为罕见，现存者据说仅此《小巷》与《代尔夫特的眺望》两幅。 |
No.33春日花束
| 作品编号 | 33 |
|---|---|
| 作品名 | 春日花束 |
| 原画信息 | 101×79cm 1866年 福格美术馆 |
| 作品介绍 | 作为19世纪印象派代表画家而闻名的雷诺阿。他被赞为“画花无人能出其右”，一生持续描绘花卉。本作是雷诺阿“花”系列中的一幅。 |
No.47莫特枫丹的回忆
| 作品编号 | 47 |
|---|---|
| 作品名 | 莫特枫丹的回忆 |
| 原画信息 | 65×89cm 1864年 卢浮宫博物馆 |
| 作品介绍 | 柯罗的风景画约以1850年为界，表现样式发生变化。前期作品以基于写生的写实主义为主，到了后期，诗意而忧郁的情感支配画面。柯罗得到普遍赞誉，正因这种后期的画风。巴黎以北30公里处的莫特枫丹有广大的庭园，也曾给华托的绘画带来诗思。柯罗这幅同样充满诗情的作品，在1864年的沙龙大获好评。 |
印象派名画
No.18睡莲
| 作品编号 | 18 |
|---|---|
| 作品名 | 睡莲 |
| 原画信息 | 87.6 × 92.7 cm 1906年 芝加哥美术馆 |
| 作品介绍 | 印象派最伟大的巨匠之一克劳德·莫奈晚年创作的、最著名的组画《睡莲》。本作绘于第一次世界大战（1914—1918）期间，描绘的是画家自1683年起租住、1690年买下的吉维尼（Giverny）宅邸兼画室中那座著名庭园池塘里漂浮的睡莲，为组画式描绘。画家特有的流动水面与水面反射阳光的表现，以及鲜艳睡莲与摇曳水草的动人刻画，正配得上莫奈《睡莲》之名，成就绝佳。本作出自与莫奈交好的松方幸次郎于1916至1923年间为日本年轻画家寻购真迹西方绘画所汇集的收藏（即“松方收藏”）之一。已知莫奈自1899年起便与庭园其他母题一道开始创作《睡莲》组画，至1910年代初则全心沉浸于仅以《睡莲》为题的描绘与表现之中。其中，本作水面漂浮的睡莲色彩——尤其是花蕾所用的鲜明红、黄，以及笔触浓重、保留明显笔痕的淡红与朱红等暖色——与池水幽深的蔚蓝相互映衬，不仅呈现了美感与转瞬即变的水面律动、时间流逝，更给予观者一种近乎神秘的感受。 |
No.19印象·日出
| 作品编号 | 19 |
|---|---|
| 作品名 | 印象·日出 |
| 原画信息 | 48×63cm 1872年 玛摩丹美术馆 |
| 作品介绍 | 本作《印象·日出》是印象派名称由来的巨匠克劳德·莫奈最著名的作品之一，也是画家1874年首届印象派展出品的作品。该展览在画家少年时代居住、并从风景画家欧仁·布丹处习得自然光（外光）之美的诺曼底勒阿弗尔（Le Havre）港的摄影师纳达尔工作室举办。最初仅以《日出》之名展出，因被认为名称过短，画家亲自在前面加上“印象”二字。本作运用画家最具代表性的笔触分割（亦称色彩分割，即以细小笔触保留颜料本身质感的描述技法），以素描写生的手法描绘勒阿弗尔港。当时的评论家路易·勒鲁瓦（Louis Leroy）在《喧噪》讽刺报上发表文章嘲笑本作：“印象？诚然我也这么觉得。但这幅画里只有印象。连未完成的海景壁画都比它强。”正是这篇文章，使在反传统的巴蒂尼奥勒派举办的首届独立展览上出品的画家们（莫奈、雷诺阿、埃德加·德加、卡米耶·毕沙罗、吉约曼、贝尔特·莫里索、塞尚、西斯莱等）被称作印象派。本风景中的海面、船只、划手、烟与太阳等要素虽因笔触分割而失去了形状与质感的准确性与再现性，但大气的颤动、时刻变化的水面与其上反射的阳光游移、阳光在自然中引发的微妙色彩变化——这种观者作为此风景的“印象”所接收的独特感受，若非深受英国浪漫主义风景画家威廉·透纳《诺勒姆城堡，日出》影响、并进一步演化出笔触分割兼印象式描写的画家便无从表现；这一崭新表现手法，正与当时席卷一时的学院派传统主义截然不同，是莫奈的方法论。顺带一提，这第一届印象派展也因路易·勒鲁瓦的批评而以恶评收场。 |
No.20散步，撑阳伞的女子
| 作品编号 | 20 |
|---|---|
| 作品名 | 散步，撑阳伞的女子 |
| 原画信息 | 100×81cm 1875年 华盛顿国家美术馆 |
| 作品介绍 | 印象派巨匠克劳德·莫奈最广为人知的代表作之一《散步，撑阳伞的女子》。这件稀世杰作出品于1876年第二届印象派展，描绘的是莫奈在1860至1870年代屡有涉猎的“户外人物”题材：画家当时所居巴黎西北瓦兹省阿尔让特伊（Argenteuil）草原上、撑着阳伞的女子，是以当时的妻子卡米耶·唐秀（Camille Doncieux，卡米耶于1879年离世，莫奈其后于1892年再婚）为模特；身旁的幼童则是长子让（Jean，当时5岁）。本作最动人的，是以观者仰望这对母子般的视角描绘，卡米耶逆光、风中朦胧的神情。手持阳伞、与观者目光交汇的卡米耶的面庞，被随风飘动的面纱遮蔽。正是通过对面纱因自然运动而产生的瞬间印象的刻画，使立于草原上的女子在观者眼中化作朦胧的姿影，深刻留存于心，甚至令人感到神秘。此外，画面大部分由蓝、白、绿、黄等色彩构成，带给观者身处自然之中所感受到的清爽与惬意。本作虽以人物描写为重，但画家约十年后（1886年）创作的、构图极为相似的对照之作《户外人物习作（右向）》《户外人物习作（左向）》中，人物与风景已浑然一体。 |
No.21阿尔让特伊的罂粟花田
| 作品编号 | 21 |
|---|---|
| 作品名 | 阿尔让特伊的罂粟花田 |
| 原画信息 | 50×65cm 1873年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 晴朗的蓝天下，一位妇人与孩子行走于红色的罂粟花野之中。撑着阳伞的妇人是妻子卡米耶，手捧采下罂粟花束的孩子，据说是当时6岁的长子让。画面中央划分天空与草原的界线，左侧鲜明呈现青与赤的对比，中央远景布置建筑物以自然引导观者视线，赋予画面纵深。草原上微妙的色彩差异衬托出青与赤。仔细看去，山丘上还有另一对亲子。想来也是同一人——或许正表现着从对面向此处走来的时间流逝？说不定，画家正是想将这短暂幸福的一瞬封存于画中。 |
No.34大碗岛的星期天下午
| 作品编号 | 34 |
|---|---|
| 作品名 | 大碗岛的星期天下午 |
| 原画信息 | 205.7×305.8cm 1884-1886年 芝加哥艺术研究所 |
| 作品介绍 | 1884年，作者着手创作其生涯最大之作、亦为代表作的《大碗岛的星期天下午》。这幅以点描手法描绘聚集于大碗岛上约50个人物的大作，在1886年第八届印象派展（最后一届印象派展）出品，成为话题。“新印象派”这一名称，正是由目睹此作的评论家费利克斯·费内翁（Félix Fénéon）在同年的杂志文章中首次使用。本作题材所本的大碗岛，是塞纳河中的沙洲，位于巴黎北郊库尔伯瓦（Courbevoie）附近。 |
No.35夜间的咖啡馆露台
| 作品编号 | 35 |
|---|---|
| 作品名 | 夜间的咖啡馆露台 |
| 原画信息 | 81×65.5cm 1888年 克勒勒-米勒国立博物馆 |
| 作品介绍 | 《夜间的咖啡馆露台》（英文名：The Café Terrace on the Place du Forum, Arles, at Night）是文森特·梵高（Vincent van Gogh）于1888年9月创作的油画。描绘南法阿尔勒（Arles）星空下人头攒动的咖啡馆露台。在这幅画中，梵高首次几乎不使用黑色来描绘夜空。作为原型的咖啡馆位于阿尔勒面向普拉·迪·福鲁姆（Place du Forum）广场的店铺，以“梵高咖啡馆”之名现存。2006年5月曾用于夏普（Sharp）液晶电视“AQUOS”的广告，亦出现在电影《名侦探柯南 侦探们的镇魂歌》中。 |
No.36向日葵
| 作品编号 | 36 |
|---|---|
| 作品名 | 向日葵 |
| 原画信息 | 92×72.5cm 1888年 伦敦国家美术馆 |
| 作品介绍 | 作为牧师之子出生于荷兰的梵高，在成为画家之前曾旅居比利时、英国、法国等地。对梵高而言，“向日葵”别具意义，他以几乎相同的构图创作了7幅，其中1幅在二战期间于日本被烧毁。在伦敦拍卖会上，日本保险公司以58亿日元购得的画作，正是与本作尺寸几乎相同（30号）的向日葵。插于花瓶中的向日葵构图相同，但在色彩搭配与花朵表现上有着微妙差异。 |
No.37星月夜
| 作品编号 | 37 |
|---|---|
| 作品名 | 星月夜 |
| 原画信息 | 73×92cm 1889年 纽约现代艺术博物馆 |
| 作品介绍 | 《星月夜》（英文名：The Starry Night，荷兰语：De sterrennacht）是梵高的代表作之一。1889年，于法国圣雷米（Saint-Rémy-de-Provence）的圣保罗·德·莫索尔（Saint-Paul-de-Mausole）修道院精神病院疗养期间所绘。这幅画给予了法国作曲家亨利·迪蒂耶（Henri Dutilleux）的管弦乐曲《音色、空间、运动》（Timbres, Espace, Mouvement）以灵感。 |
No.38自画像（漩涡状蓝色背景中的自画像）
| 作品编号 | 38 |
|---|---|
| 作品名 | 自画像（漩涡状蓝色背景中的自画像） |
| 原画信息 | 65×54cm 1889年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 文森特·梵高一生创作了许多自画像。梵高的自画像想必是看着镜像所绘。也就是说，画中梵高面孔的右半边，实际应是左半边。 |
No.39塔希提的女子们（海滨）
| 作品编号 | 39 |
|---|---|
| 作品名 | 塔希提的女子们（海滨） |
| 原画信息 | 69×91.5cm 1891年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 高更（Gauguin）首次的塔希提滞留，是从1891年6月至93年夏前后。他带着卖出30幅作品所得的一万法郎作为资金前往塔希提，抵达帕皮提（Papeete）数日后，统治塔希提岛的末代国王去世，该岛彻底沦为法国殖民地。高更正是在这“南海乐园”的古老习俗与传统被欧洲文明破坏的时期亲历其境。在首次塔希提滞留期间，他创作了数幅将两位塔希提女子组合在同一构图中的作品。 |
No.40黄色的基督
| 作品编号 | 40 |
|---|---|
| 作品名 | 黄色的基督 |
| 原画信息 | 92×73cm 1889年 诺克斯美术馆 |
| 作品介绍 | 近代绘画艺术的巨人保罗·高更第三次布列塔尼滞留期的代表作《黄色的基督》。与画家在第二次布列塔尼滞留期创作的《布道后的幻象（雅各与天使的搏斗）》并列，本作作为象征主义式综合主义绘画的代表范例而为人所知，描绘的是布列塔尼农妇们因虔诚信仰而幻见被钉十字架的耶稣之姿。象征性描绘的黄色耶稣之姿，其构思源自综合主义（Synthetism）发祥地——布列塔尼庞塔旺（Pont-Aven）近郊教堂特雷马罗礼拜堂（Chapelle de Trémalo）的木雕基督像（十字架像）；而耶稣之姿并非农妇们的幻见，被认为是画家自身内在心象的呈现。事实上，高更同期还创作了以这黄色耶稣之姿置于背景的自画像《有黄色基督的自画像》（藏于圣日耳曼昂莱美术馆），以及将基督面容换作自身面容的《橄榄山的基督》（藏于诺顿美术馆）。画于布列塔尼秋日风景中的耶稣与虔诚农妇之姿、红叶尽染的树木、泛黄生辉的山丘等，以粗重而明确的轮廓线彼此区分，并借内部平面化、强烈的（原色性的）色彩描写而得以纯化。这些运用分隔主义（Cloisonnism，即否定对象的质感、立体感、固有色等，以轮廓线围合出的平坦色面来构成对象的描述方法）的独特绘画展开，正是画家与埃米尔·贝尔纳（Émile Bernard）所提倡的综合主义本身，至今其光芒未褪，仍深深迫近观者。此外，因内容与表现特征相似，埃米尔·贝尔纳在看到本作后留下“这是对我作品的剽窃”之言。 |
No.41苹果与橙子
| 作品编号 | 41 |
|---|---|
| 作品名 | 苹果与橙子 |
| 原画信息 | 73×92cm 1895-1900年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 塞尚（Cézanne）晚年的静物画，于古典主义式的构成之中融入巴洛克式的动势与自由，并添入抒情性，堪称已臻完成的画风。此画即其代表之一：并非置于台面，而是于长椅上铺白布，其上摆放茶壶与盘碟、配置水果的独特构图。仿佛随时要从眼前滚落般的感觉，赋予画面生动跃动之感。颜料的薄涂亦是晚年特征，苹果与橙子以绝妙的色彩转调表现出形与量感。 |
No.42吻
| 作品编号 | 42 |
|---|---|
| 作品名 | 吻 |
| 原画信息 | 180×180cm 1907-1908年 奥地利美术馆 |
| 作品介绍 | 分离派（Secession，维也纳分离派）巨匠古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）留下的杰作《吻》。本作或许是画家最著名的作品，在克里姆特与恋人埃米莉·弗洛格（Emilie Flöge）关系最融洽的时期、以二人为模特，将当时被视为禁忌的题材“吻”作为主题而绘。1908年在维也纳举办的综合艺术展“艺术展（Kunstschau）”上，本作避开审查发表，博得狂热般的高度好评；展览结束后不久即被奥地利政府收购——不仅获国家公认的名作，更作为将“命运之女”（femme fatale）思想与情色表现，以克里姆特独有世界观使用金箔的所谓“黄金时代”的巅峰、最优秀的作品而广为人知。在炫目黄金中交融的男女，虽不现实，却深含思想与官能性。这体现于平面描绘的男性衣饰装饰“方形”与女性衣饰装饰“圆形”互为补充，同时也象征着潜藏于男女之间的敌意。而男女所立、繁花盛开、色彩斑斓的悬崖，表明即使在爱的顶峰，爱与幸福与猜疑与不安也仅一线之隔，不由令人预感其后等待的悲剧。 |
No.43莫斯科
| 作品编号 | 43 |
|---|---|
| 作品名 | 莫斯科 |
| 原画信息 | 51.5 × 49.5cm 1916年 特列季亚科夫美术馆 |
| 作品介绍 | 1866年生于俄罗斯莫斯科的瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）。因看到莫奈的《干草堆》而悟出抽象画的原点在此，决意走上画家之路。被誉为抽象画先驱的康定斯基所绘作品之一。 |
No.44戴大帽的让娜·埃比泰尔讷
| 作品编号 | 44 |
|---|---|
| 作品名 | 戴大帽的让娜·埃比泰尔讷 |
| 原画信息 | 55×38cm 1917年 私人收藏（巴黎） |
| 作品介绍 | 1884年生于意大利、活跃于20世纪初的巴黎画派画家兼雕塑家阿梅代奥·莫迪利亚尼（Amedeo Modigliani）。本作描绘的是其妻子让娜·埃比泰尔讷（Jeanne Hébuterne）。当莫迪利亚尼肺结核恶化、于35岁离世时，身怀有孕的她以21岁之龄追随自杀。 |
No.45呐喊
| 作品编号 | 45 |
|---|---|
| 作品名 | 呐喊 |
| 原画信息 | 91×74cm 1893年 奥斯陆国立美术馆 |
| 作品介绍 | 《呐喊》（挪威语：Skrik，英语：The Scream）是挪威画家爱德华·蒙克（Edvard Munch）于1893年创作、堪称其代名词的油画作品。蒙克同年以粉彩、1895年以石版、1910年以蛋彩，绘制了同题同构图的画作，共存在4幅《呐喊》。在日本也常被称为“蒙克的《呐喊》”。年少丧母、青春期又遭妹妹离世，1890年代不得不直面疾病与死亡的蒙克，以“爱”与“死”及其带来的“不安”为主题创作，本作是被称为“生命饰带”（Frieze of Life）作品群中的一幅，亦是其中最为著名者。而在同题同构图的《呐喊》群中，世界上最为知名的，是最初所绘的油画《呐喊》，由奥斯陆国立美术馆收藏。以极度变形之独特笔触描绘的人物、染如鲜血的峡湾夕景与可怖形态、与红空对比的暗沉背景、强调透视的卓越构图——此画基于蒙克所感的幻觉，他在日记中如此记述当时的体验：“我与两位友人漫步于道路。太阳正沉落。突然，天空变为血一般的赤红。我驻足，感到极度疲惫，倚靠栅栏。那仿佛火焰之舌与鲜血覆压于青黑的峡湾与街市之上。友人继续前行，而我伫立原地，不安地颤抖、挣扎。于是我听见了贯穿自然的、无尽的呐喊。”常被误解的是，“呐喊”并非画中人物所发出，而是指“贯穿自然的、无尽的呐喊”；画中人物，正因惧怕那“贯穿自然的、无尽的呐喊”而掩耳战栗。顺带一提，蒙克发表此画时虽遭当时评论家酷评，日后却逆转，获得高度评价。埃克贝格（Ekeberg）镇由高台远眺奥斯陆及其前的奥斯陆峡湾（与地名相悖，并非峡湾，而是北欧特有的湾——维肯（Viken））的景观，作为《呐喊》真实存在的舞台而为人所知。 |
No.49洪水与小船
| 作品编号 | 49 |
|---|---|
| 作品名 | 洪水与小船 |
| 原画信息 | 50×61cm 1876年 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 本作与同期创作的《马尔利的洪水》等相同，描绘的是1876年塞纳河大泛滥之后、马尔利港（Port-Marly）的景象。画面左部斜置着当时一层为酒商住宅、二层为名为“圣尼古拉”（À Saint-Nicolas）旅馆的建筑，其前有两男子乘于小舟中（或许正谈论着这一情形）交谈。画面中央至右侧，中景为栗树，远景以朦胧的行道树水平描绘，一艘小舟于其中前行。画面下方延展的、自塞纳河溢出而覆压马尔利港的水面上所反射的、摇曳阳光的纤细柔和表现，以及略显粗大的笔触、虽呈浊色却轻快色彩所表现的河水状态，充分显现了画家的样式特征。进一步，画面约三分之二面积所铺展的、空阔天空那洋溢清凉感的鲜丽色彩与空间性的开放感，与因这场洪水而骤变的塞纳河与马尔利港之姿、以及在此生活的人们之日常形成对照，令人感受到某种无论何事都不可侵犯的不变性。本作所表现的（洪水这一）自然之惊异，与即便在此境况下仍顽强生活的人们，以及由作品整体酿出的（恍若风暴过后般的）静谧氛围与诗情，在共计6幅的同题（泛滥后的马尔利港风景）作品中尤为出色，强烈吸引着观者的目光与心灵。 |
人物肖像15件
宠物肖像16件
动漫系20件
写实风景30件
No.19道路、土堤与围墙（切通写生）
| 作品编号 | 19 |
|---|---|
| 作品名 | 道路、土堤与围墙（切通写生） |
| 原画信息 | 1915年 原画尺寸（56×53cm） 东京近代美术馆 |
| 作品介绍 | 陡直刺向天空般的石墙。墙面右侧可见杂草丛生、微微隆起的小土堤，还有一直延伸到无尽处的澄澈蓝天。所绘的是距今九十多年前涩谷区代代木四丁目极其寻常的风景。然而画家却以近乎执拗的精密笔法加以描绘。 |
No.7暴风雨中的荷兰船
| 作品编号 | 7 |
|---|---|
| 作品名 | 暴风雨中的荷兰船 |
| 原画信息 | 1801年 163 x 221 cm 伦敦国家美术馆 |
| 作品介绍 | 对透纳而言，“海”是一生持续的重要主题。二十多岁的透纳，积极发表了以充满跃动感的波浪表现与迎风前行的船只描绘展现出卓越技艺的海景画。 |
印象派31件
No.100城市之舞
| 作品编号 | 100 |
|---|---|
| 作品名 | 城市之舞 |
| 原画信息 | 1883年 180×90cm 奥赛博物馆（巴黎） |
| 作品介绍 | 本作是1880年代创作的“舞蹈三部曲”中的一幅《城市之舞》。与《乡村之舞》一样，本作为装饰画商杜朗-吕埃尔的宅邸而作，以画家的朋友保罗·洛特与极具上进心的都市女性苏珊娜·瓦拉东（当时18岁）为模特。它采用单纯而精练的构成、人物与背景仿佛在画面中融为一体的一体感、明确的人物形态、略带装饰性的表现——这些都与以光线的有效表现、暧昧轮廓、复杂空间构成为特征的印象主义时期明显不同，是本作的一大特点。 |
No.99帕拉希·特·马拉埃
| 作品编号 | 99 |
|---|---|
| 作品名 | 帕拉希·特·马拉埃 |
| 原画信息 | 1892年 68 × 91 cm 费城美术馆 |
| 作品介绍 | 1886年以后，高更以布列塔尼的蓬塔旺为据点创作。贝尔纳、德尼、拉瓦尔等画家所组成的团体被称为蓬塔旺派，高更被视为其中心人物。蓬塔旺派特有的样式被称为“分隔主义”（法语意为“分隔”），特色是以单纯轮廓线分隔出的色面来构成画面。 |
No.98人生即战斗（黄金骑士）
| 作品编号 | 98 |
|---|---|
| 作品名 | 人生即战斗（黄金骑士） |
| 原画信息 | 1903年 爱知县美术馆 100.0cm×100.0cm |
| 作品介绍 | 1990年入藏爱知县美术馆的《人生即战斗（黄金骑士）》（1903年），是日本公立美术馆首次收藏的克里姆特绘画作品。由丰田汽车的捐款以约17.7亿日元购入。 |
No.96丝柏与星空之路
| 作品编号 | 96 |
|---|---|
| 作品名 | 丝柏与星空之路 |
| 原画信息 | 1890年 克勒勒-米勒美术馆 |
| 作品介绍 | 《丝柏与星空之路》（荷兰语：Cypres bij sterrennacht）是荷兰后印象派画家文森特·梵高1890年所绘的油画，也是梵高在法国圣雷米所绘作品中最后的一幅。此画作于1890年5月。梵高在写给弟弟提奥的信中说：“我始终被丝柏所吸引。”并说它那“美丽的线条”如埃及方尖碑般和谐。据说梵高在旅居法国阿尔勒的1888年起，便已在考虑描绘夜间的丝柏。芝加哥大学的凯瑟琳·鲍尔斯·埃里克森指出，画中硕大的丝柏与道路受到了《天路历程》的影响。除本作之外，梵高还绘制过数幅以丝柏为主题的作品，其中多数都像本作一样画有超出画布上端的大丝柏。绘完此画后迁往奥维尔河畔的1890年6月，梵高在写给友人和同行画家保罗·高更的信中说，本作与高更的《橄榄山的基督》（1889年）一样，以苦恼与不屈为主题。夜空的样貌，据说是受到了1890年4月20日水星与金星天文会合、放出可与天狼星匹敌的光辉的影响。分析方面，凯瑟琳·鲍尔斯·埃里克森指出，相较于1889年所绘的《星月夜》，本作更进一步反映了梵高已自觉死期将近。 |
No.94奥维尔的雨云田野
| 作品编号 | 94 |
|---|---|
| 作品名 | 奥维尔的雨云田野 |
| 作品介绍 | 奥维尔是梵高结束自己生命的终焉之地。梵高在此地只待了短短两个月，却在这段时间里创作出了70幅作品。这里既非巴黎郊外的乡村也非都市，被绿色环绕的风景，一定多少抚慰过梵高的心。 |
No.92卢弗申的凡尔赛大道（雪景效果）
| 作品编号 | 92 |
|---|---|
| 作品名 | 卢弗申的凡尔赛大道（雪景效果） |
| 原画信息 | 1869年 46.3×38.4cm 马里兰美术学院（巴尔的摩） |
| 作品介绍 | 本作所描绘的卢弗申，是位于巴黎塞纳河流域、西郊约25公里处的一座当时十分宁静的村庄。据说毕沙罗于1868年秋从蓬图瓦兹迁居此地，直至普法战争爆发的1870年，其后又于1871年至74年间在此生活。 |
No.91临终的卡米耶·莫奈
| 作品编号 | 91 |
|---|---|
| 作品名 | 临终的卡米耶·莫奈 |
| 原画信息 | 1879年 90×68cm 奥赛博物馆（巴黎） |
| 作品介绍 | 本作描绘的是1867年未婚先为莫奈生下长子、1870年终于与之成婚的画家的妻子卡米耶·莫奈（旧姓卡米耶·唐秀），画中她已处于迎接死亡的状态。 |
No.90蓬图瓦兹，隐修院的坡道
| 作品编号 | 90 |
|---|---|
| 作品名 | 蓬图瓦兹，隐修院的坡道 |
| 原画信息 | 1875年 原画尺寸（65×54cm） 收藏：布鲁克林美术馆（纽约） |
| 作品介绍 | 本作所绘之地，是位于巴黎西北郊的蓬图瓦兹。毕沙罗在此描绘了大量农村风景与人物。 |
No.88奥维尔教堂
| 作品编号 | 88 |
|---|---|
| 作品名 | 奥维尔教堂 |
| 原画信息 | 奥维尔教堂 |
| 作品介绍 | 这是一座建于12世纪的教堂，至今仍保留着梵高画中原本的样貌。1924年，佐伯祐三绘制了这座教堂。当时奥维尔河畔有弗拉曼克的住所。佐伯在被弗拉曼克激励的翌日，与里见胜藏一同造访加歇医生的宅邸，看了约20幅梵高的画，其中深受感动的正是教堂这幅，便自己也试着画了起来。 |
No.87秋千
| 作品编号 | 87 |
|---|---|
| 作品名 | 秋千 |
| 原画信息 | 1876年 原画尺寸（92×73cm） 收藏：奥赛博物馆（法国） |
| 作品介绍 | 本作中，雷诺阿追求着透过树间照射而下、流转的斑点状林间漏光所产生的光线变化，以及补色性、对称性、相乘性的色彩描写效果。尤其是以覆盖整个画面、较大的斑点状略粗笔触对光所作的有效描绘，如今虽已被理解、强烈吸引着观者，当时却因前所未见的表现为手法而遭到严厉恶评。这种可称为点描表现先驱的独特表现，正是当时雷诺阿所追求的（所谓正统印象主义）表现的典型一例。 |
No.85在蛙塘
| 作品编号 | 85 |
|---|---|
| 作品名 | 在蛙塘 |
| 原画信息 | 1869年 66×86cm 斯德哥尔摩国立美术馆 |
| 作品介绍 | 本作描绘的是实业家苏兰在巴黎近郊布吉瓦尔塞纳河畔兴建的、带有水上咖啡馆的新兴游乐地水浴场“蛙塘”。1869年夏，画家与友人克劳德·莫奈一同前往该地，并排支起画架写生，此事亦广为人知。意为“青蛙的栖处”的蛙塘中央，有一座被称为“花盆（或卡门贝尔）”的人工岛，本作也描绘了聚集在岛上的众人。 |
No.84阴谋
| 作品编号 | 84 |
|---|---|
| 作品名 | 阴谋 |
| 原画信息 | 1890年 90×150cm 安特卫普皇家美术馆 |
| 作品介绍 | 詹姆斯·恩索尔，1860年生于比利时奥斯坦德。与勒内·马格里特、保罗·德尔沃并列为代表比利时近代绘画的画家。其受到传统佛兰德斯绘画与法国印象主义影响的新颖画风，预示了后来的表现主义与超现实主义，作为“20世纪美术的先驱”而评价甚高。他喜欢描绘令人联想到故乡奥斯坦德狂欢节的假面、怪物、骸骨等，也被称为“假面画家”。1949年去世。 |
No.83有乌鸦的麦田
| 作品编号 | 83 |
|---|---|
| 作品名 | 有乌鸦的麦田 |
| 原画信息 | 1890年 原画尺寸（103×50.5cm） 收藏：梵高美术馆 |
| 作品介绍 | 本作是梵高晚年所绘作品之一。日文题名有“乌鸦群飞的麦田”“有黑鸟的麦田”等。这幅相对广为人知的作品，常被误认为梵高的绝笔之作。然而梵高去世于1890年7月29日，而该月10日前后他写给弟弟提奥的信中，有关于疑似此画的记述，因此实际上推定绘于7月上旬（参见后述“同期作品”）。所以把它当作“最后”的作品并不合理。另一方面，“绝笔”的说法最早出现于1908年，在巡展于慕尼黑现代艺术手工画廊等地的梵高展图录中，此画当时被题为《雷雨》，并附注“巨匠最后的作品”。 |
No.81睡莲
| 作品编号 | 81 |
|---|---|
| 作品名 | 睡莲 |
| 作品介绍 | 印象派最伟大的巨匠之一克劳德·莫奈晚年创作的、最著名的组画《睡莲》。本作绘于第一次世界大战（1914—1918）期间，描绘的是画家自1683年起租住、1690年买下的吉维尼（Giverny）宅邸兼画室中那座著名庭园池塘里漂浮的睡莲，为组画式描绘。画家特有的流动水面与水面反射阳光的表现，以及鲜艳睡莲与摇曳水草的动人刻画，正配得上莫奈《睡莲》之名，成就绝佳。本作出自与莫奈交好的松方幸次郎于1916至1923年间为日本年轻画家寻购真迹西方绘画所汇集的收藏（即“松方收藏”）之一。已知莫奈自1899年起便与庭园其他母题一道开始创作《睡莲》组画，至1910年代初则全心沉浸于仅以《睡莲》为题的描绘与表现之中。其中，本作水面漂浮的睡莲色彩——尤其是花蕾所用的鲜明红、黄，以及笔触浓重、保留明显笔痕的淡红与朱红等暖色——与池水幽深的蔚蓝相互映衬，不仅呈现了美感与转瞬即变的水面律动、时间流逝，更给予观者一种近乎神秘的感受。 |
No.80多维尔，挂满旗帜的港口船只
| 作品编号 | 80 |
|---|---|
| 作品名 | 多维尔，挂满旗帜的港口船只 |
| 原画信息 | 1896年 原画尺寸（41.1×32.4cm） 收藏：费城美术馆 |
| 作品介绍 | 1824年生于法国的印象派风景画家欧仁·布丹。本作所绘的多维尔，如今是作为法国诺曼底地区海水浴场而闻名的海滨城镇。 |
No.79睡莲
| 作品编号 | 79 |
|---|---|
| 作品名 | 睡莲 |
| 作品介绍 | 印象派最伟大的巨匠之一克劳德·莫奈晚年创作的、最著名的组画《睡莲》。本作绘于第一次世界大战（1914—1918）期间，描绘的是画家自1683年起租住、1690年买下的吉维尼（Giverny）宅邸兼画室中那座著名庭园池塘里漂浮的睡莲，为组画式描绘。画家特有的流动水面与水面反射阳光的表现，以及鲜艳睡莲与摇曳水草的动人刻画，正配得上莫奈《睡莲》之名，成就绝佳。本作出自与莫奈交好的松方幸次郎于1916至1923年间为日本年轻画家寻购真迹西方绘画所汇集的收藏（即“松方收藏”）之一。已知莫奈自1899年起便与庭园其他母题一道开始创作《睡莲》组画，至1910年代初则全心沉浸于仅以《睡莲》为题的描绘与表现之中。其中，本作水面漂浮的睡莲色彩——尤其是花蕾所用的鲜明红、黄，以及笔触浓重、保留明显笔痕的淡红与朱红等暖色——与池水幽深的蔚蓝相互映衬，不仅呈现了美感与转瞬即变的水面律动、时间流逝，更给予观者一种近乎神秘的感受。 |
No.73干草堆～日落～
| 作品编号 | 73 |
|---|---|
| 作品名 | 干草堆～日落～ |
| 作品介绍 | 莫奈自1888年前后起，以这“干草堆”为题持续绘制了30余幅组画。莫奈一生追求光线所带来的效果与色彩的变化，本作亦体现了这一点，是他追逐晨、昼、夕、夜刻刻变化之光而绘的作品。 |
No.72干草堆～夕阳～
| 作品编号 | 72 |
|---|---|
| 作品名 | 干草堆～夕阳～ |
| 作品介绍 | 莫奈自1888年前后起，以这“干草堆”为题持续绘制了30余幅组画。莫奈一生追求光线所带来的效果与色彩的变化，本作亦体现了这一点，是他追逐晨、昼、夕、夜刻刻变化之光而绘的作品。 |
No.70蒙热龙的庭院
| 作品编号 | 70 |
|---|---|
| 作品名 | 蒙热龙的庭院 |
| 作品介绍 | 认可莫奈才能的奥舍德夫妇，委托莫奈装饰位于法国蒙热龙的宅邸罗滕堡馆。1876年，莫奈一度寓居此宅，为装饰大客厅创作了4幅装饰画。本作即当时所绘。 |
人物32件
No.110抱猫的少女
| 作品编号 | 110 |
|---|---|
| 作品名 | 抱猫的少女 |
| 原画信息 | 1887年 油画／画布 65.5 × 53.5 cm 奥赛博物馆 |
| 作品介绍 | 本作描绘的是与雷诺阿交谊深厚、印象派女画家贝尔特·莫里索的女儿。略显羞涩的少女与可爱小猫的神情，营造出温柔的氛围。 |
No.106散发的女子
| 作品编号 | 106 |
|---|---|
| 作品名 | 散发的女子 |
| 原画信息 | 1506-08年前后 帕尔马国立美术馆藏 纵24.7cm、横21cm 杨木板 |
| 作品介绍 | 被称为万能天才的画家列奥纳多·达·芬奇，是毋庸赘言的文艺复兴巨匠。此次介绍的，便是这位达·芬奇的杰作《散发的女子》。它是在纵24.7厘米、横21厘米的小小杨木板上绘成的女性像。画中的女子微微歪着头而立，目光低垂。她充满慈爱的目光，直至细部的阴影都被完美地描绘出来。仅以铅白和数种颜料的描绘出的细腻肌肤，富有立体感的柔软双唇，正是神技般的笔法。与之相对，头发却以轻快的笔触即兴绘就，与脸部相比显得过于随意——是的，这幅画是未完成之作。此外，这幅画还有一个重大特征，那便是女子的视线。《蒙娜·丽莎》等他所绘的其他女性像都将视线投向我们，而这幅画中的女子却低垂着目光。 |
No.105草帽（苏珊娜·富尔曼的肖像）
| 作品编号 | 105 |
|---|---|
| 作品名 | 草帽（苏珊娜·富尔曼的肖像） |
| 原画信息 | 1622年前后 79×54.5cm 伦敦国家美术馆 |
| 作品介绍 | 鲁本斯最广为人知的代表性肖像作品《草帽（苏珊娜·富尔曼的肖像）》。本作描绘的是鲁本斯在与第一任妻子伊莎贝拉·布兰特死别数十年后再婚的第二任妻子埃莱娜·富尔曼的姐姐苏珊娜·富尔曼。画中本应戴的是毛毡帽，但自18世纪末起，人们便以“草帽”这一爱称称呼它。 |
No.104戴面纱的女子肖像
| 作品编号 | 104 |
|---|---|
| 作品名 | 戴面纱的女子肖像 |
| 原画信息 | 1516年前后 85×64cm 皮蒂美术馆（佛罗伦萨） |
| 作品介绍 | 通称“拉·维拉塔”（戴面纱者）。模特是面包师的女儿，被称为福尔娜丽娜（意为“面包师的女儿”）。拉斐尔与这位女子有着秘密的恋爱关系。戴面纱的福尔娜丽娜的神情，被认为表现了她对二人无法结合的悲伤；而面纱之下可见的发饰意味着已婚之妇，拉斐尔在本作中表现了福尔娜丽娜未能实现的婚姻。此外，据说本作最初在福尔娜丽娜的手指上画有作为婚姻之证的戒指，但因本作后来要公开展出，画家本人为将其遮掩，事后又覆上了一层颜料。 |
No.100农民的婚宴
| 作品编号 | 100 |
|---|---|
| 作品名 | 农民的婚宴 |
| 原画信息 | 1568年 114×168cm 维也纳美术史美术馆 |
| 作品介绍 | 画面描绘的是在农家的谷仓中举行的婚宴。长长的餐桌上摆着看似腌肉的佳肴，啤酒也在分送。背后像墙一样堆起的谷物山上，装饰着象征丰收庆贺的两束麦穗；绿色的帷幕上悬挂着一顶纸冠。据说这是当时的结婚习俗。其下坐着双颊绯红、体态丰腴的新娘。被风笛乐手的音乐与诱人的香气所吸引，村民们挤在谷仓入口。勃鲁盖尔也是最早描绘农民真实面貌的画家。今日介绍的这一幅也准确地描绘了当时的风俗。然而，这幅画中却没有画出关键的新郎的身影。 |
No.98医生
| 作品编号 | 98 |
|---|---|
| 作品名 | 医生 |
| 作品介绍 | 英国画家塞缪尔·卢克·菲尔德斯爵士1891年的作品。身患重症、奄奄一息的幼女横卧椅上，身旁是悲痛欲绝、伏在餐桌上的母亲，以及茫然呆立的父亲；窗外朦胧的黎明之光开始透入，室内却仍旧昏暗。前来出诊的老医生神情严峻，俯身注视着女儿，仿佛彻夜未眠。据说这幅画描绘的是画家自身的回忆——他的两个孩子都罹患肺炎，儿子已经丧命，女儿也危在旦夕，画中正是赶到家中出诊的医生之姿。19世纪末的英国，这幅画的复制品在医生间极受欢迎，据说被挂在各家医院的墙上。原作藏于伦敦现泰特不列颠（旧称泰特美术馆）悬挂大量拉斐尔前派画作的展厅中，但与想象不同，它是一幅约3米×2米的巨大画作，画面远比画册中所见昏暗，与周围悬挂的其他世纪末绘画那华美精致形成鲜明对照。 |
No.97坐在维吉那琴前的女子
| 作品编号 | 97 |
|---|---|
| 作品名 | 坐在维吉那琴前的女子 |
| 原画信息 | 1670年—1672年前后 51.5 cm × 45.5 cm 收藏：国家美术馆（伦敦） |
| 作品介绍 | 《坐在维吉那琴前的女子》（荷兰语：Zittende virginaalspeelster，英语：Lady Seated at a Virginal）是荷兰黄金时代画家约翰内斯·维米尔于1670至1672年前后所绘的画作，为布面油画，由伦敦国家美术馆收藏。画面描绘的是坐在维吉那琴前、朝向左侧演奏的女子。前景左侧放着一把琴弓插在弦间的维奥尔琴。维吉那琴的琴盖内侧绘有风景画作为装饰，墙上挂着维米尔岳母所有的一幅迪尔克·范·巴布伦《拉皮条的女人》的原作或摹本。关于《拉皮条的女人》为何被画入本作背景，至今不明，但一般认为“或许意味着音乐与性爱之间的一般性关联”。画面左上部有一幅起分隔此场景作用的挂毯，画面右下墙壁与地面相接之处，装饰着代尔夫特陶砖。从风格来看，《坐在维吉那琴前的女子》被认为绘于1670年前后。它被认为与同由伦敦国家美术馆收藏的《站在维吉那琴前的女子》构成一对，理由是创作年代与作品尺寸几乎相同，所绘母题也相似，但两幅作品直到19世纪为止的流传经历却截然不同。维米尔有时也会把相似的主题画入彼此毫无关联的另一幅作品中。进入19世纪后，两幅作品都曾为法国美术史家泰奥菲勒·托雷-比尔热所有。托雷-比尔热于1866年出版了关于维米尔的著作，为维米尔作品的重新评价作出了巨大贡献。此后，英国美术品收藏家乔治·索尔廷曾拥有《坐在维吉那琴前的女子》，于1910年遗赠给国家美术馆。 |
No.96希望 II
| 作品编号 | 96 |
|---|---|
| 作品名 | 希望 II |
| 原画信息 | 1907-08年 110×110cm 纽约现代艺术博物馆 |
| 作品介绍 | 奥地利最伟大的画家之一古斯塔夫·克里姆特洋溢着母性的代表作《希望 II》。本作与1903年克里姆特所绘的《希望 I》一样，都是描绘孕妇的作品，但与《希望 I》相比，表现更为装饰化、更为平面化，是其重大特征。本作所绘的孕妇神情安详，仿佛怜爱着自身身体中孕育的微小却确实的生命一般俯首，视线投向腹部。孕育生命的腹部与《希望 I》不同，由圆与三角构成，并被施以红、蓝、黄、绿、黑等色彩、极具克里姆特风格的装饰性衣服所遮蔽，给观者以某种安心感；但在近旁却绘有暗示“死亡”的骸骨。此外，孕妇足下绘有数位年轻女子，关于其解释众说纷纭，但一般认为是对孕妇的、未曾怀孕（处女）者们的愿望与祈祷。仿佛表现了生命的神秘本身的、令人感到无限性的金色单色背景的平面而宇宙般的空间表现，被指出受到克里姆特评价甚高的、17至18世纪活跃于京都、江户的画师尾形光琳等琳派的影响。本作中，《希望 I》所表现的那种露骨的攻击性与几近病态的表现已隐去，其内敛而自我保全的表现，也受到一部分赞同者的“回归传统”之批评。 |
No.95伴娘
| 作品编号 | 95 |
|---|---|
| 作品名 | 伴娘 |
| 原画信息 | 约翰·埃弗里特·米莱《伴娘》 1851年 |
| 作品介绍 | 这幅画把一种迷信图像化了：据说伴娘把婚礼蛋糕的碎屑穿过婚戒9次，未来恋人的幻影便会显现。别在女子胸前的白花是橙花，象征纯洁。桌上盘中也有橙子，而拉斐尔前派绘画中常见的那头丰盈秀发，也用了与橙子相同的颜色。模特是一位名叫麦克道尔的女性。作品于1851年1月15日完成。 |
No.93玛丽·弗兰齐斯卡·列支敦士登侯爵小姐两岁肖像
| 作品编号 | 93 |
|---|---|
| 作品名 | 玛丽·弗兰齐斯卡·列支敦士登侯爵小姐两岁肖像 |
| 原画信息 | 1836年 33×27cm |
| 作品介绍 | 代表奥地利毕德麦雅风格的画家阿梅林，受阿洛伊斯二世侯爵（在位1836—1858年）之托，绘制了侯爵家孩子们的肖像。其中本作以其可爱，格外给人留下强烈印象。沉睡着的小侯爵小姐毫无防备的稚气，令观者不期然为之动容。毕德麦雅风格的画家们追求着那种轻轻触动心弦的、细腻而甜美的表现。 |
No.92用早餐的罗特列克伯爵
| 作品编号 | 92 |
|---|---|
| 作品名 | 用早餐的罗特列克伯爵 |
| 原画信息 | 1883年 阿尔比，图卢兹-罗特列克美术馆 |
| 作品介绍 | 作为画家住进蒙马特一带后，罗特列克似乎几乎处于被逐出家门的境地。但他与母亲关系亲密，母亲直到最后都温暖地守护着他，还留有写着“我们未来的米开朗基罗”的信。这一时期的画风受印象派与马奈的影响很强。 |
No.91保罗·纪尧姆肖像 2
| 作品编号 | 91 |
|---|---|
| 作品名 | 保罗·纪尧姆肖像 2 |
| 原画信息 | 1915年 橘园美术馆藏 |
| 作品介绍 | 本作所绘的保罗·纪尧姆是著名的画商。据说莫迪利亚尼开始专心于绘画，正是在结识这位保罗·纪尧姆，并经他与友人马克斯·雅各布的劝告，从1915年前后开始的。 |
No.89拿着方块A的作弊者
| 作品编号 | 89 |
|---|---|
| 作品名 | 拿着方块A的作弊者 |
| 原画信息 | 1635-1638年前后 106×146cm 卢浮宫博物馆（巴黎） |
| 作品介绍 | 古典主义巨匠乔治·德·拉图尔最著名的作品之一《作弊者（拿着方块A的）》。本作所绘主题，是巨匠卡拉瓦乔最早描绘的《作弊者》，推测大概是在《作弊者（拿着梅花A的）》数年之后，以同主题、同构图绘制了本作。 |
No.62拥抱
| 作品编号 | 62 |
|---|---|
| 作品名 | 拥抱 |
| 原画信息 | 1905-09年 194×111cm 奥地利工艺美术馆（维也纳） |
| 作品介绍 | 1862年生于奥地利的象征主义画家古斯塔夫·克里姆特。他作品的特征，是大量运用璀璨的金色、描绘妖艳的女性。本作是克里姆特的代表作，将金、银、宝石描绘得极为出色，是充满豪华气息的作品。 |
No.87雅典学院
| 作品编号 | 87 |
|---|---|
| 作品名 | 雅典学院 |
| 原画信息 | 作者：拉斐尔·桑蒂 创作年：1509—1510年 材料：湿壁画 尺寸：500 × 700 cm 收藏：梵蒂冈宫（梵蒂冈城国） |
| 作品介绍 | 《雅典学院》（意大利语：Scuola di Atene）是文艺复兴时期意大利画家拉斐尔·桑蒂最著名的画作之一，绘于他侍奉罗马教皇尤利乌斯二世的1509至1510年间。梵蒂冈教廷内现被称为“拉斐尔房间”的四个房间的墙壁要以湿壁画装饰，拉斐尔决定先从被称为“署名室”的房间着手。他先完成了《圣体的辩论》，接着第二件着手的便是这幅《雅典学院》。此画长期以来被视为拉斐尔的最高杰作，可谓完美地体现了盛期文艺复兴的古典精神。画中所绘之人是著名的古代希腊哲学家。研究者们一直说，希腊的学者（哲学家、科学家）几乎都能在这幅画中找到。但拉斐尔并未明确说画的是谁，因此要准确指出画中人物是谁极为困难，也没有同时代的记录可供说明。更麻烦的是，拉斐尔本应为解读画中哲学家、科学家是谁而准备了对全体人物的提示（图像学），却没有留下相关记录。尽管如此，在选择把谁画入画中这一点上，想必需要许多人的认可。舞台设定方面，学院位于希腊十字（纵横等长的十字）形之中，被认为意在调和基督教神学与非基督教的希腊哲学。其建筑样式受到多纳托·布拉曼特的启发，乔尔乔·瓦萨里称布拉曼特实际参与了这幅画的绘制。也有研究者认为，学院本身就是按从圣彼得大教堂正面所见的景观来构思的。后方有两尊雕像，靠左的是手持竖琴的希腊神阿波罗，他是医、治愈、光、真理、弓箭、音乐之神；右侧则是希腊女神雅典娜，但穿着罗马女神弥涅耳瓦的装束。雅典娜是智慧女神。登场人物方面，柏拉图、亚里士多德等若干哲学家的身份没有异议，但其余众多人物在研究者之间意见不一。以下介绍其中一种推测，即迈克尔·拉哈纳斯的推断。 |
No.86音乐
| 作品编号 | 86 |
|---|---|
| 作品名 | 音乐 |
| 原画信息 | 1895年 33×44.5cm 新绘画陈列馆 |
| 作品介绍 | 1862年生于奥地利的象征主义画家古斯塔夫·克里姆特。他作品的特征，是大量运用璀璨的金色、描绘妖艳的女性。本作是应“装饰音乐室之用”的委托而制作的。 |
No.84背靠门的让娜·埃比泰尔讷肖像
| 作品编号 | 84 |
|---|---|
| 作品名 | 背靠门的让娜·埃比泰尔讷肖像 |
| 原画信息 | 1919年 130×81cm 私人收藏（洛杉矶） |
| 作品介绍 | 1884年生于意大利、活跃于20世纪初的巴黎画派画家兼雕塑家阿梅代奥·莫迪利亚尼。本作描绘的是其妻子让娜·埃比泰尔讷。当莫迪利亚尼肺结核恶化、于35岁离世时，身怀有孕的她以21岁之龄追随自杀。 |
静物31件
No.32南法的水果
| 作品编号 | 32 |
|---|---|
| 作品名 | 南法的水果 |
| 原画信息 | 1881年 原画尺寸（65.3×50.7） 收藏：芝加哥艺术研究所 |
| 作品介绍 | 本作的特点在于，并未采用雷诺阿独特的女性化笔触，而是以扎实有力的用笔绘成。 |
No.30蓝色的花瓶
| 作品编号 | 30 |
|---|---|
| 作品名 | 蓝色的花瓶 |
| 作品介绍 | 塞尚在静物画领域最早确立了自己的样式。与风景画、人物画相比，静物画能自由地构成对象，从而得以追究令自己满意的表现，原因大概在此。塞尚的静物画多将水果与花分开制作，因此像本作这样将二者同绘一图的作品，是很少见的例子之一。轮廓线错位，物体的形状也已扭曲。然而支配画面的蓝色调，似乎孕育出了抒情的美。其中红、白、绿的色调令人印象深刻。 |
No.28头骨的角锥
| 作品编号 | 28 |
|---|---|
| 作品名 | 头骨的角锥 |
| 原画信息 | 1901年 37 x 45.5 cm |
| 作品介绍 | 在塞尚描绘头骨的作品中，最值得注目的是：排除了“记住你终将死去”（memento mori）的古典训诫性，转为对死亡象征性本身的绘画性言及，以及作为美术绘画价值的意图。头骨自古以来便是虚空派绘画（vanitas）的主画题母题，本作中也可看出塞尚对以往巨匠们虚空派绘画的意识；同时，本作还蕴含了其重大特征——对视觉感觉与认知性有所意识的构图、构成等，对绘画作品价值本身的意图。 |
No.22插在代尔夫特花瓶中的大丽花
| 作品编号 | 22 |
|---|---|
| 作品名 | 插在代尔夫特花瓶中的大丽花 |
| 作品介绍 | 1839年生于法国的印象派画家保罗·塞尚。虽是印象派画家，却被称为“近代绘画之父”的他擅长静物画，以独有技法绘制了大量静物画。本作亦是其中之一。 |
No.20壶上放着苹果
| 作品编号 | 20 |
|---|---|
| 作品名 | 壶上放着苹果 |
| 原画信息 | 1916年 40.0×29.5cm 东京近代美术馆 |
| 作品介绍 | 在日本，静物画自明治44（1911）年高村光太郎发表论文《静物画的新意义》以后，便开始作为适合画家自我表现的领域而受到追求。自大正5（1916）年起连续绘制的岸田刘生的静物画，作为此类大正时期静物画的代表性存在而为人所知。《壶上放着苹果》中描绘的器物与《壶》（大正5年4月）中所绘相同，但其把手已经缺损。此外，岸田静物画中所绘的苹果，给观者带来与受后期印象派接受及“生命主义”促发的鲜艳苹果不同的印象；而它那近乎均质的色彩与形状，被认为是一种图像，显示出与执意逼近对象个别特征的“草土社风”静物画中苹果之间的差异。左上署名；右上年纪。第3回草土社展（《壶上放着苹果》）（东京、赤坂溜池三会堂 1916） |
No.18花束
| 作品编号 | 18 |
|---|---|
| 作品名 | 花束 |
| 作品介绍 | 雷东青年时代结识柯罗，为他对自然的爱所感动，但对抗印象主义，埋头于不使用色彩——他自己称之为“黑色作品”的版画。约自1890年起开始绘制油画与粉彩画，获得诗人马拉美、音乐家肖松等的高度评价。以花卉、人物、神话世界为主题的作品，充满明亮华丽之美与神秘幻想的妖异，为通向超现实主义准备了道路。展现其绘画内在性的《私语录》在他去世后被发现。 |
No.15花瓶中的鸢尾
| 作品编号 | 15 |
|---|---|
| 作品名 | 花瓶中的鸢尾 |
| 原画信息 | 1890年 92×73.5cm 梵高美术馆 |
| 作品介绍 | 本作为治疗神经发作而滞留圣雷米、试图摆脱苦恼无聊生活的梵高，于1890年5月出发前往友人兼精神科医生保罗·加歇所在的奥维尔之前数周所制作的静物画作品。 |
No.13豆腐
| 作品编号 | 13 |
|---|---|
| 作品名 | 豆腐 |
| 原画信息 | 1876年 原画尺寸（45.3×32.5cm） 收藏：金刀比罗宫博物馆 |
| 作品介绍 | 在古旧的案板上，右侧只是随意地摆放着豆腐、两块烤豆腐、两片油炸豆腐，但每一件都以压倒性的存在感逼人而来。看过此画的人异口同声地说：“比真的豆腐还像真的。”然而，若论静物画，看似还有更多更好的题材，高桥由一为什么偏偏画了豆腐呢？当时的日本人几乎没有人见过油画。他怀着这样的心愿作画：让这些人也感到亲切，把洋画哪怕多推广一点也好。为此，就需要一个人人都知道的题材，于是选择了洋画题材中虽属异例、却极富庶民气息的豆腐作为母题。他的许多油画中，都使用了日本任何家庭都可能有的、与生活紧密相关的素材。 |
No.12春日花束
| 作品编号 | 12 |
|---|---|
| 作品名 | 春日花束 |
| 原画信息 | 101×79cm 1866年 福格美术馆 |
| 作品介绍 | 作为19世纪印象派代表画家而闻名的雷诺阿。他被赞为“画花无人能出其右”，一生持续描绘花卉。本作是雷诺阿“花”系列中的一幅。 |
No.11玫瑰与百合
| 作品编号 | 11 |
|---|---|
| 作品名 | 玫瑰与百合 |
| 原画信息 | 1888年 原画尺寸（59.7×45.7cm） 收藏：大都会艺术博物馆 |
| 作品介绍 | 1836年生于法国的亨利·方丹-拉图尔。他以“花的画家”闻名，绘制了大量花卉画。本作亦是他描绘花卉的作品之一。 |
No.10苹果与餐巾
| 作品编号 | 10 |
|---|---|
| 作品名 | 苹果与餐巾 |
| 原画信息 | 1879-80年 49.2×60.3cm 收藏：损保日本东乡青儿美术馆 |
| 作品介绍 | 静物对塞尚而言，是最重要的主题之一。桌上的苹果、餐巾的凹陷——塞尚得以亲手将想要描绘的题材理想地配置、构成。背景的树叶纹样是壁纸，带有这种壁纸的静物画群被推定为1879至80年制作。 |
No.8花瓶中的玫瑰
| 作品编号 | 8 |
|---|---|
| 作品名 | 花瓶中的玫瑰 |
| 原画信息 | 1890年 纽约 大都会艺术博物馆 |
| 作品介绍 | 梵高在从阿尔勒迁往奥维尔、造访村里的巴比松派画家多比尼家中遗孀时，曾在信中写道庭园里玫瑰盛开。迁居奥维尔后，他描画花卉的机会变多了。 |
动物4件
现代艺术24件
No.24耍蛇的女子
| 作品编号 | 24 |
|---|---|
| 作品名 | 耍蛇的女子 |
| 原画信息 | 1907年 169×189cm 奥赛博物馆（巴黎） |
| 作品介绍 | 本作是卢梭应画家罗贝尔·德洛内的母亲之请而制作的。德洛内夫人曾去过印度，因此异国风情的主题十分适合她。在法国绘画中，耍蛇的题材并不罕见，但卢梭笔下只以剪影呈现的、令人生畏的人物形象，却完全是崭新的。 |
No.20梦
| 作品编号 | 20 |
|---|---|
| 作品名 | 梦 |
| 原画信息 | 1910年 204.5×298.5cm 纽约现代艺术博物馆 |
| 作品介绍 | 本作是未曾出国旅行的卢梭凭借想象力与独特观察力制作的大作，1910年出品于独立沙龙展（不设审查的出品制美术展览会），获得众多批评家的赞赏。据知出品该展时，附有意大利出身诗人纪尧姆·阿波利奈尔（波兰人）的如下诗篇：“甜美梦中的雅德维加，被引入何等安详的睡眠，聆听耍蛇人吹奏的笛音，将那冥想深深吸入胸中。而在绿意灼燃的树波之上，月影闪烁，野生的蛇群，倾听着曲调欢快的旋律。”雅德维加是画家数年前曾热恋的波兰女性的名字。据画家本人的话，他对横卧沙发上的雅德维加如此解说：“睡在这张沙发上的女子被带入了森林，正梦见听见耍蛇人的笛音。”本作所绘的动植物，是他多次前往杂志、书籍、动·植物园等处反复观察后画成的；此外，本作大量使用了与卢梭作品相通的绿色，那种独特的静谧世界观梦想般地支配着整个画面，本作不可思议而迷幻的氛围强烈吸引着观者。另外，本作由画商沃拉尔转入纽约雅尼斯画廊，其后为巨富洛克菲勒家族所有，并由纳尔逊·A·洛克菲勒捐赠给MoMA（纽约现代艺术博物馆）。 |
No.11献给布莱里奥
| 作品编号 | 11 |
|---|---|
| 作品名 | 献给布莱里奥 |
| 原画信息 | 1914年 原画尺寸（194×128cm） 收藏：巴塞尔美术馆 |
| 作品介绍 | 1885年生于法国的抽象画家罗贝尔·德洛内，是抽象画先驱者之一。本作以1909年成功完成横跨英法之间多佛海峡飞行的飞行家布莱里奥为赞歌母题而绘。 |
No.3黑方块与红方块
| 作品编号 | 3 |
|---|---|
| 作品名 | 黑方块与红方块 |
| 原画信息 | 1915年 原画尺寸（71.4×44.4cm） 收藏：纽约现代艺术博物馆 |
| 作品介绍 | 以组合正方形、长方形等几何纹样来作画，提出名为“至上主义”的纯粹抽象哲学的画家，因此闻名。 |
No.2马秋申肖像
| 作品编号 | 2 |
|---|---|
| 作品名 | 马秋申肖像 |
| 原画信息 | 1913年 原画尺寸（106.5×106.7cm） 收藏：特列季亚科夫美术馆 |
| 作品介绍 | 以组合正方形、长方形等几何纹样来作画，提出名为“至上主义”的纯粹抽象哲学的画家，因此闻名。 |
人体9件
No.9春风微拂
| 作品编号 | 9 |
|---|---|
| 作品名 | 春风微拂 |
| 原画信息 | 原寸尺寸：98.5cm×65.5 cm 1895年 |
| 作品介绍 | 画面描绘了沐浴着惬意春风、置身自然之中的裸女那羞涩的神情。肌肤质感的描绘是值得特书之处，而在柔和的色彩表现上，从瞬间的官能性中，观者也仿佛被春风吹拂一般，感受到春的气息。 |
No.8泉
| 作品编号 | 8 |
|---|---|
| 作品名 | 泉 |
| 作品介绍 | 本作是1982年在日本首次举办的“安格尔”展的出品作品，也曾用作海报与图录封面，是一幅著名的作品。它最能展现安格尔古典主义、理想主义的一面。安格尔年轻时曾在罗马长期修习，研习希腊雕塑与文艺复兴绘画。本作据说构想于安格尔滞留佛罗伦萨的1820至24年前后，其后历经数次修改，完成于1856年，当时弟子也协助了其中一部分。 |
No.6大宫女
| 作品编号 | 6 |
|---|---|
| 作品名 | 大宫女 |
| 作品介绍 | 学习拉斐尔画风、成为新古典主义代表画家的安格尔，凭借卓越的素描能力，在裸女与肖像画上充分发挥其本领。本作是他在罗马留学期间，应拿破仑之妹、那不勒斯王妃卡罗琳之请而制作的。然而因拿破仑失势，它并未交到王妃手中。东方异国情调的画面中横卧的裸女身姿，在现实上虽有不合自然之处，却淋漓尽致地发挥了安格尔的审美观念。 |
No.3翘腿的裸女与帽子
| 作品编号 | 3 |
|---|---|
| 作品名 | 翘腿的裸女与帽子 |
| 原画信息 | 1904-1906年 92×73cm 新画廊（维也纳） |
| 作品介绍 | 本作是自1880年代后半叶起便一直为绘画制作所苦（1898年因右手麻痹恶化到两个多月无法握笔，两年后手与手臂更已变形）的画家，忍着类风湿关节炎的疼痛、精力充沛地持续制作裸女作品中的一幅。 |
和风10件
No.18墨水樱花辉耀之景
| 作品编号 | 18 |
|---|---|
| 作品名 | 墨水樱花辉耀之景 |
| 原画信息 | 1874年 纵61.0cm×横80.0cm |
| 作品介绍 | 高桥由一于文政11年（1828）作为下野国佐野藩士之子出生于江户藩邸。1862年入洋书调所画学局，在川上冬崖门下学习洋画与洋学。庆应2年（1866），向当时住在横滨的英国人瓦格曼学习油画。明治6年（1873）创设画塾“天绘楼”，培养众多弟子。此外，据说他常造访明治9年作为工部美术学校教师来日的意大利画家安东尼奥·丰塔内西的画室，学习油画技法。明治22年（1889），他与浅井忠等结成明治美术会，致力于振兴洋画，却在明治27年（1894）以67岁辞世。他画风严谨写实，作为近代日本第一位洋画家而为人所知，代表作有《鲑》（1877年前后，东京艺术大学藏，重要文化财）、《花魁》（1872年，东京艺术大学藏，重要文化财）等。盛开的樱花与开始抽芽的叶片在前景被描绘得强劲而明确，而背景的墨水（隅田川）则以遥远朦胧的调子绘出。前景与远景形成强烈对照的画面配置，是与江户时代的洋风画、浮世绘相通的构图。府中市美术馆着眼日本与西洋的交流，致力于以近代洋画为中心进行系统性收藏；本作是尚未接受真正西洋画洗礼之前的、极具日本式构图的油画珍品，被视为府中市美术馆藏品的核心、承担重要作用的作品。相关报道：府中市3日决定，作为市美术馆藏品，以约1亿日元购入日本油画先驱高桥由一（1828—1894）的《墨水樱花辉耀之景》（1874年作）。将于7日开幕的市议会提交购画合同缔结案。该市表示：“作为开馆10周年纪念，得以将代表近代洋画的高桥由一的作品加入藏品。”高桥由一出生于下野国佐野藩士之家，曾学狩野派，后对油画觉醒，发表了《花魁图》等日本洋画的纪念碑式作品。 |
No.16收获
| 作品编号 | 16 |
|---|---|
| 作品名 | 收获 |
| 原画信息 | 1890年 原画尺寸（98.5×69.8cm） 收藏：东京艺术大学美术馆 |
| 作品介绍 | 描绘巴黎东南巴比松村的风景与农村的巴比松派画家们。其代表画家米勒绘制名作《拾穗者》，是在1857年。约20年后的1876年，一位出身武家的男子看到了这部作品。那幅画给这位穿越了激荡时代的男子带来巨大感动，为日本洋画世界带来了黎明。被称为“日本的米勒”的男子于1890年所绘的作品，便是浅井忠的《收获》。画中所绘并非所谓绝景，而是随处可见的普通乡村风景。面对丰饶的收获，一家人倾巢而出劳作。母亲捆稻草，女儿筛米，父亲脱粒。那仿佛连泥土气息都能传来的逼真感，正是唯有油画才能表现出的厚重时间与空间。这幅画绘成之时，日本洋画界才刚刚开始受到关注。 |
No.17春畝
| 作品编号 | 17 |
|---|---|
| 作品名 | 春畝 |
| 原画信息 | 84.0×102.5 明治21年（1888） 东京国立博物馆 |
| 作品介绍 | 本作绘于明治二十一年，出品于翌年第一届明治美术会，以明暗色调使画面上下形成对比，以细腻的调子情趣深长地表现了农村的日常生活，是一幅杰作。已有被指定的《收获》（第二届明治美术会出品）。 |
